Los tres grandes de Inglaterra

Sir Elton Hercules John, (nacido como Reginald Kenneth Dwight; Pinner, Middlesex, Inglaterra, 25 de marzo de 1947) es un cantante, compositor y pianista británico de rock, glam rock y piano rock.

Es uno de los músicos con mayores ventas de todos los tiempos. En el año 2010 la revista Rolling Stone le otorgó el puesto 38 en su lista de los 100 mejores cantantes de la historia y el puesto 49 en su lista de 100 mejores artistas de la historia. Sus múltiples reconocimientos incluyen el título de Sir luego de ser nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II. De acuerdo con la revista Billboard, es el tercer artista británico más grande de todos los tiempos en los Estados Unidos.

Princess Diana Funeral - Elton John - Candle In The Wind 

The Rolling Stones es una banda británica de rock originaria de Londres. La banda se fundó en abril de 19622 por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards, Ian Stewart y Dick Taylor. El guitarrista Geoff Bradford y el baterista Mick Avory los apoyaron en sus primeros ensayos, mientras que los bateristas Tony Chapman y Carlo Little tocaron en sus primeras actuaciones.

Son considerados una de las más grandes e influyentes agrupaciones de la historia del rock, siendo la agrupación que sentó las bases del rock contemporáneo. Contando desde sus inicios con el favor de la crítica, algunos de sus materiales están considerados entre los mejores de todos los tiempos. En 1989 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 la revista estadounidense Rolling Stone los colocó en el puesto No. 4 en su lista de Los 50 Mejores Artistas de todos los Tiempos.

Rolling Stones - Paint It Black

The Beatles fue una banda de rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). 

Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años cincuenta, la banda trabajó más tarde con distintos géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico, incorporando a menudo elementos clásicos, entre otros, de forma innovadora en sus canciones. La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «Beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.

Michelle-The Beatles

Cumbia y Vallenato tipo exportación: Colombia.

Podríamos redactar muchas entradas para hablar de la música colombiana, pero esta la dedicaremos a dos géneros, tal vez los más representativos y reconocidos mundialmente.

Cumbia:  El aire folclórico más representativo del Litoral Atlántico y de origen africano, ritmo de gran riqueza expresiva, las mujeres lo bailan con velas en la mano. Tiene variaciones según la región. Se baila en Mompós, El Banco, Ciénaga, San Jacinto, Soledad, Sincelejo y Sampués. Ejemplo: Cumbia Cienaguera (Luis E. Martínez), El Alegre Pescador (José Barros P.), La Piragua (José Barros), Navidad Negra (José Barros), etc.

La cumbia es una danza y ritmo con contenidos de tres vertientes culturales: indígena, negra y blanca (española), siendo fruto del largo e intenso mestizaje entre estas culturas durante la Conquista y la Colonia.

Es ejecutada y seguida tradicionalmente por el conjunto de tambores: llamador, alegre, tambora, así como la flauta de millo o las gaitas, macho y hembra, las maracas y el guache. La cumbia cantada es una adaptación relativamente cercana en la que el canto de solistas y coros o cuartetos se alternan a la de la flauta de millo o las gaitas.

Cumbia del Caribe

Vallenato: es un género musical autóctono de la Costa Caribe colombiana con epicentro en la antigua provincia de Padilla (actual sur de La Guajira, norte del Cesar y oriente del Magdalena) y presencia ancestral en la región sabanera de los departamentos de Bolívar, Sucre y Córdoba. 

Su popularidad se ha extendido hoy a todas las regiones del país y países vecinos como Panamá, Venezuela, Ecuador y México. Se interpreta tradicionalmente con tres instrumentos: el acordeón diatónico, la guacharaca y la caja vallenata. 

Los ritmos o aires musicales del vallenato son el paseo, el merengue, la puya, el son y la tambora. El vallenato también se interpreta con guitarra y con los instrumentos de la cumbia en cumbiambas y grupos de millo. 

El 29 de noviembre de 2013, el vallenato tradicional fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Nación por el Consejo Nacional de Patrimonio del Ministerio de Cultura.

Rafael Orozco Con El Binomio De Oro - La Creciente

Zen, jazz y Pop del Japón para el Mundo

Se ha dividido la historia de la música japonesa siguiendo las épocas históricas del país. El primer periodo comprende hasta la introducción del budismo y es de influencia coreana. El siguiente periodo, o periodo Nara observa una gran influencia de la música china, se establece una reglamentación musical para la corte, que pervive en el siguiente periodo, o periodo Heian (794-1185), juntamente con el renacimiento de tradiciones musicales japonesas más antiguas.

Koto Sakura

La siguiente época, llamada Kamakura (1186-1332), es la época feudal japonesa y en ella surgen los primeros compendios musicales; posteriormente es creado el teatro nó, creado por Zeami (1363-1444) que, aunque ha sido considerado siempre en su aspecto literario, es una importante forma musical. Con el advenimiento de la época Edo o Tokugawa (1615-1868) se creó una burguesía rica que alienta su propia cultura. Surge el teatro burgués kabuki, que será otro de los géneros japoneses. La música occidental influye en esta época a través de los misioneros españoles y portugueses, pero su influencia desaparece a partir de 1638 (matanza de Shimbara).

Kaori Kobayashi - Children's Dream

Ahora hacemos un gran salto generacional y vamos al segundo fenómeno cultural musical del momento J-Pop: Tiene sus raíces más profundas en el Jazz, música que se hizo muy popular en el comienzo de la Era Showa. El jazz reintrodujo muchos instrumentos musicales anteriormente sólo usados para interpretar música clásica y marchas militares, introduciendo la "diversión" a la escena musical japonesa en los bares y clubes. El "Ongaku Kissa" (音楽喫茶? lit. café de música)

A principios de los 90, nuevos grupos y cantantes salen a la luz, como Megumi Hayashibara, una de las cantante japonesas y seiyuu por excelencia. En 1997 el programa de TV Asayan retoma el concepto de los 80s y lanza un nuevo grupo idol: Morning Musume. Integrado por Yuko Nakazawa, Asuka Fukuda, Aya Ishiguro, Natsumi Abe y Kaori Iida, lanzan su primer sencillo "Morning Coffee". El crecimiento en popularidad les permitió integrar a nuevos miembros hasta convertirse en la organización idol más popular de los últimos años.

Megumi Hayashibara: Successful Mission 

La música alemana Beethoven vs Rammstein

El prestigio de Alemania como nación musical de primera fila sigue basándose en nombres como Bach, Beethoven, Brahms, Händel y Richard Strauss. Estudiantes de todo el mundo acuden en tropel a las escuelas superiores de música, los melómanos se dan cita en los grandes festivales, desde el Festival de Bayreuth, meca de los wagnerianos, hasta las Jornadas Musicales de Donaueschingen, dedicadas a la música contemporánea. 

Beethoven: Silencio

En Alemania existen 80 auditorios financiados con recursos públicos; los más importantes son los de Hamburgo, Berlín, Dresde, Múnich, Fráncfort del Meno, Stuttgart y Leipzig. La Orquesta Filarmónica de Berlín, al frente de la cual está el director estrella británico Sir Simon Rattle, se considera la mejor formación entre las cerca de 130 orquestas clásicas que existen en Alemania. El “Ensemble Modern” de Fráncfort es el principal motor de la producción musical contemporánea. Año tras año prepara cerca de 70 nuevas obras, incluyendo 20 estrenos absolutos. 

Actualmente, los amantes de la música moderna se entusiasman con los conciertos de bandas de pop y rock, que, igual que los musicales y shows, atraen a miles de espectadores, mientras que los clubes de jazz crean un ambiente especialmente íntimo por la estrecha relación que se establece entre el público y el artista. 

PUPPENHAUS, Anfang (1973) [German Krautrock]

Ya sea al compás de tres por cuatro o con ritmo techno, ¡En Alemania manda la música!

El psicodélico "Krautrock" se convirtió en los años setenta en un símbolo internacional. "Munich Disco" enriqueció la escena musical del dance-pop y sirvió de premisa para el estilo techno. El punk, el hardrock y la música electrónica de Alemania son famosos en todo el mundo. Desde Boney M. hasta Rammstein: pop y rock procedente de Alemania

Te quiero Puta: Rammstein

La cultura musical española, su historia e impulso desde el Gobierno

Este es un ejemplo para muchos países, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte es una de las entidades del gobierno que promueve el estudio por los orígenes musicales españoles, su práctica y difusión. Es así como por medio del Centro nacional de Difusión Musical pretende recuperar, poner en valor y difundir las músicas históricas, en cualquiera de sus estilos, así como atender a otros repertorios no habituales de la música clásica y de la tradición popular culta, que requieran este apoyo específico para su adecuado conocimiento.

Pero la labor no termina ahí, también existe un centro de documentación de música y danza, que cuenta con las bases de datos de los eventos, cuenta con un repositorio virtual musical así como un buscador de videos e imágenes, es así como El catálogo de su Biblioteca  recoge más de 27.500 registros entre monografías, partituras, grabaciones sonoras, audiovisuales, programas de mano y carteles, relativos a la música y la danza de producción y creación española, y todo tipo de obras de ambas manifestaciones que se publican en España. El fondo de publicaciones periódicas asciende a 602 títulos, la Biblioteca está suscrita a revistas nacionales y extranjeras tanto de divulgación como de investigación de música y danza.

Respecto a la historia musical española, se identifica claramente una influencia griega y de la iglesia primitiva, el canto hispánico fue sustituido una vez que Roma obtuvo el control de los cristianos de la Península, y el rito romano fue impuesto y la música sacra desarrollada localmente fue prohibida, quemada o eliminada.

El Canto Hispánico (Hispano-Visigodo)

A principios del siglo XVI se desarrolló un estilo polifónico coral que estaba próximo al estilo de la escuela franco-flamenca de música que gracias a que los músicos españoles recorrieran otros sitios del imperio, y aprendieran de los países bajos, Alemania e Italia, así como los españoles recibieron el conocimiento de sus músicos al retornar de sus recorridos. Uno de los grandes sucesos musicales fue el que agregaran la quinta cuerda a la guitarra.  

La música folclórica en España es tan variada como lo son sus regiones. Sin embargo hubo una serie de ritmos extendidos por toda la península que, con el tiempo, o bien variaron haciéndose distintos en cada región o desaparecieron en algunas y quedaron como particulares de las otras: flamenco, la charrada, el chotis, el contrapàs, la copla, el cuplé, el fandango, las habas verdes, la isa canaria, la jota, la muñeira, el paloteo o ball de bastons, el pasodoble, las pardicas, la rebolada, la sardana y los verdiales.

Pepe Marchena: Sevilla Milonga

El flamenco, influenciado fuertemente por el folclore tradicional andaluz, suele ser asociado habitualmente al pueblo gitano, así como la música pop española tiene sus comienzos a finales del régimen de Franco. A finales de los años 1950 una generación de músicos y cantantes que habían vivido la Guerra Civil habían empezado a retirarse. Al mismo tiempo la música británica y norteamericana, en especial el rock and roll, empezaban a influir al público español.

Lobo Hombre en París: La Unión

Entrevista a Paul Samangassou sobre la música camerunesa

S.M: ¿Cuando hablamos de la música de Camerún, qué significa para ti?

P.S: La música camerunesa es como la imagen de un caleidoscopio cultural constituido por las 260 etnias y tribus que conforman el país. Multiplicidad de idiomas, de formas de ser, de pensar y ver la vida e interpretar sus propios mitos. El resultado de todo esto es una multiplicidad de músicas barrocas que se dejan interpenetrar muy poco entre si.

Estas variedad de formas musicales van desde lo podríamos denominar el folklore local, el cual no va a exceder los límites de la zona de influencia de su grupo étnico, hasta lo que hoy en día consideramos la música moderna. Instrumentos tradicionales versus instrumentos de viento y cuerda que terminan tomando ventaja e imponiéndose.

Es importante subrayar que la música africana tiene un objetivo, el de representar el conjunto de la experiencia, que es propia a cada cultura local.

Manu Dibango 'Lion of Africa'

S.M: ¿Qué es lo que más te ha marcado cuando hablamos de la música camerunesa?

P.S: Mi infancia estuvo marcada por las canciones lánguidas que entonaban mis “mamás”[1] mientras se balanceaban cadenciosamente triturando en el mortero de piedra los cereales que utilizarían para la comida del día. Esas canciones solían contar una historia o transmitir un mensaje codificado por una serie de enigmas. En algunas ocasiones esas canciones dejaban simplemente abrir sus corazones.

S.M: ¿La música es un símbolo en su país?

P.S: Camerún se caracteriza por poseer uno de los mejore ritmos de África. Sin embargo, en algunas tribus, el músico es considerado un vago, un perezoso que teme el trabajo y prefiere ganarse la vida alabando y elogiando el triunfo de los demás. Estos músicos no logran vivir de su arte.

Francis Bebey - La Condition Masculine

S.M: ¿Cuál es la contribución de la cultura occidental en la música africana?

P.S: Con la penetración colonial a finales del siglo 18, la mayoría de los pueblos del litoral fueron acogiendo progresivamente nuevos instrumentos musicales traídos por los colonizadores y dejando de lado los instrumentos tradicionales. El resultado fue el nacimiento de una música voluptuosa, llena de colorido, que llama a la danza, el movimiento y la alegría . Podemos afirmar que el 90 % de la música africana es hecha para la danza y el movimiento. Fiel expresión de ello es el Bukutsi y el Makossa,[2] dos de los ritmos cameruneses más conocidos no solo en el continente africano sino a nivel internacional.

El Makossa es más popular en las zonas urbanas de Camerún. Makossa, significa “danza” en la ciudad de Duala (capital de la provincia litoral) y tiene sus orígenes en un tipo de baile llamado Kossa Duala, que tiene una gran influencia del jazz, el Ambasse Bey, la música latina y la rumba.

S.M: ¿Podrías darme algunos nombres de artistas cameruneses que son reconocidos a nivel internacional?

P.S: Manu Dibango, saxofonista “el cráneo liso”, Francis Bebey, “el que tiene el don de la palabra” y, el bajista Richard Bona son los “grandes” de la música de Camerún y son igualmente reconocidos a nivel internacional. Aunque moderna, la música que ellos tocan viene de las profundidades del África, con tonalidades y ritmos específicos, que permiten ver lo hondo del alma africana, aquella que es propia a los pueblos africanos, que bailan y cantan a la luz de la luna, expresando, de esta manera, su gratitud al Creador.

[1] Mi padre era polígamo y tuvo 4 esposas que consideraba como mis mamás, así como ellas me consideraban como si fuera su propio hijo.

[2] En el 2010 se dió la XIX edición de la Copa Mundial de Fútbol en Sudáfrica que se inaugura con la canción Zangalewa, cantada por Shakira. Esta canción, famosa en la década de los 80 fue interpretada por el grupo Makossa de Camerún

Soul Makossa - Manu Dibango 

Paul Samangassou es consultor y experto internacional en cooperación y comunicación organizacional y gran conocedor de la música africana.

Música holandesa de los cantos joviales al nederpop

Parte de los países bajos y como heredera fundamental de las culturas germánicas, Holanda se erige frente al mundo por la bastedad de una cultura rica en heterodoxias. Sobresale sobre todo el hecho de tratarse de una música totalmente si no en su mayoría, festiva y jovial. De sus tempranos años  habrá que rescatar el hecho de ser un país debatido entre la jovialidad de sus cantos populares y el impacto  de la música europea con la que buena parte de sus músicos se vieron emparentados por cuenta de los aires tempranos de la ilustración y la música así llamada como culta. 

Holanda y su música.

De los músicos de la era espiritual bastante noticia se tiene en el mundo y no tanto de la otra parte tradicional de estos países. Por un lado habría que resaltar el uso de instrumentos como la guitarra, la flauta (parte de la travesía germánica con la que incluso la zona norte del continente tuvo su empatía y glosó sus fortunas), el acordeón, hijo este de su relación con Alemania, hasta el uso del piano, el órgano y la viola de gamba.

Como parte de la riqueza de Holanda se tiene a consideración lo siguiente: Normandos y nómadas, expertos en las artes de poetas como François Villon, a medio camino de la iglesia y la taberna.

Trijntje Oosterhuis - Kleine Jongen

Recientemente, hacia los años cincuenta del siglo XX, la música de la zona, así como pudo verse en buena parte del mundo europeo, terminó por verse influenciada por el pop, en Holanda el nederpop, o la llegada de las ondas heavy, bastante politizadas, de las zonas de norte y oriente de Europa, el Rock oscuro o el punk, todo como parte de los esquemas globalizadores de su vecina Gran Bretaña o los Estados Unidos.

De Kast - In Nije Dei (Officiële Video)

Italia y su música

Bastantes conocidas son las tarantelas y la música más o menos reciente de Italia. El imperio fortificó, además de su ideario jurídico y filosófico, una fuerte noción de la música mediterránea por cuanto parte de sus ritmos encierra a su vez, lo árabe y lo griego y, sobre todo, resume la idea de lo continental y el dogma de su época. Ello en lo referente a la próxima música que de Italia viene dando toda suerte de productos pop y una nueva ola referente al influjo de su música antigua y clásica. 

En lo que a la música clásica, o así llamada por un periodo propiamente dicho de la historiografía musical, bastantes conocidas son sus piezas líricas del índole de la Opera y a su vez, el gran peso de este país al ser el centro religioso de una de las fes más grandes de que se tenga noticia en la humanidad. Desde músicos de periodos como el barroco, Vivaldi, Albinoni, hasta grandes músicos de la escena como Verdi, el influjo de esta música hasta las tradicionales del pueblo han hecho de Italia toda una colcha de sorpresas. 

"Selva Morale e Spirituale" (Claudio Monteverdi) - Concierto de Gabriel Garrido y Ensemble Elyma

La importancia de la música de este país pasa por mucho de la anécdota a las enciclopedias, que dan cuenta de un centenar de grandes compositores e intérpretes que pasan por la nada despreciable fortaleza de saber que Italia es y seguirá siendo el centro político y cultural del mundo, además de autor de un periodo enorme de la historia de la humanidad y de Occidente.

Una Furtiva lagrima - Rolando Villazon

Las historias referentes a la música en Italia vienen de más allá del tiempo y tal como lo refiere el musicólogo español Ramón Andrés, su historia está más atada al oído y la antropología que al tiempo (El mundo en el oído, ANDRÉS, Ramón. Acantilado editorial. España, 2009, 500 págs.). Se cuenta que hacia el siglo XI, se tuvo noticia de la música desde su lado clerical, capital de la fe cristiana como lo es Roma, allí mismo nacería una de las fuerzas monumentales de la humanidad, precedida esta por la norma del santo lugar y por músicos de talla enorme como Monteverdi, Vivaldi o el mismo Bach, músico ajeno a Italia y nacido fuera, en Alemania, pero hijo de la fe en la instrucción que le fuera dada, entre otros, por cuenta de italianos y griegos, influencia vista en la cultura musical más o menos reciente de este país hasta llegados los albores del pop, género que inundaría junto al jazz buena parte de la joven música de este siglo y las postrimerías del pasado.

The Godfather - Tarantella Napolitana 

Fuente:

ANDRÉS, Ramón. El mundo en el oído, Acantilado editorial. España,
2009, 500 págs.

Un recorrido por la música de Portugal

Bien es sabido que parte del sentimiento más bello de que se tenga noticia nace en Portugal. La noción de la costa y el mar que deambula sin prisa por las orillas de este país tienen también el carisma metafísico más imponente de la Europa occidental. El fado, en el centro del decurso de las aguas de territorios como la Lisboa señorial, cruza junto a una tierra sostenida como fotografía en el tiempo y de allí proviene la riqueza máxima de la música de Portugal.

La tradición tiene mucho que ver con el fuerte del mediterráneo y la extensa ola de migración que llevó de un lado a otro la rica cultura árabe, aunque este país en particular sobrellevó un especial acento de cercamiento cultural y por ello el país no tuvo tanta importancia hegemónica en la región hacia los años noventa del siglo XIX, e incluso llegadas las guerras mundiales y la cercana guerra de España. Instrumentos fundamentales en su música son el Bombo, el Adufe, El sarronca, la Guitarra portuguesa, el Braguesa, la Viola de Arame, la Viola Toeira, el Cavaquinho, la Braguinha.

Amalia Rodrigues "Estranha forma de vida" Fado

En primera instancia, la música portuguesa se pudo ver influenciada por la tradición musical de la antigua Roma con la que igual España se vio bastante emparentada. La posición de este país peninsular trajo a su cultura desde momentos armoniosos de vida hasta problemas de referente político por su escasa fortaleza en temas de relaciones externas (Véase: Ultimátum, PESSOA, Fernando. El regreso de los dioses, Acantilado ed. España: 2007,  431 págs.).

De allí que a su música se le relacione más con la calma del buen cuidado o la saudade, que con una actitud guerrerista o impuesta frente a un subcontinente presto a las mayores guerras del siglo, no obstante la enorme fuerza del país tras sus conquistas y los territorios del África a su mandato. El fado, proviene en su mayoría de la cuestión e influencias árabes y entra al Portugal como música de rebeldía desde los barrios pobres y las zonas suburbanas.

Madredeus - Alfama

Teresa Salgueiro (vocals)
Pedro Ayres Magalhães (guitar)
Francisco Ribeiro † (violoncello)
José Peixoto (guitar)
Gabriel Gomes (accordion)
Carlos Maria Trindade (keyboards)

El género se populariza dentro y fuera del país, dada su extrema vitalidad desde la tristeza que enmarca y gracias, desde luego, al sentido que cantantes y expertos del género supieron darle al cruzar sus fronteras, caso de la bella fadista Amalia Rodríguez y su inigualable “Estranha forma de amar”. Aparte de ello, la música de la región tiene consigo buena parte de las facultades de este género de estrellas, desde la música de las Azores (algo más gitana o gypsy) hasta notas provenientes de la rica cultura árabe, sentido mismo de esta parte del mundo y reflejo de  su éxodo y retorno a la tierra del Sinaí.

Fuente: VV. AA. Portugal. El fado. Editorial Océano. España, 2006, 96 páginas.
PESSOA, Fernando. El regreso de los dioses, Acantilado ed. España: 2007,  431 págs.

Música Griega

Las raíces de la música griega provienen del  mar Egeo y de la pronta migración tenida tras la caída de Roma en el siglo VI d.C. y, de todo el subsecuente periplo de la región en relación a las guerras y la expansión de los territorios y los mandatos imperiales. Es bien sabido que en esta zona el hecho de las romerías y errabundaje trajo consigo dos de las mayores prendas de nuestra civilización. Por un lado, la música entregaría al mundo post occidental todo un rico acervo de relaciones con el mediterráneo y las tradiciones griegas, no solo en lo político y filosófico, habrían de  permanecer por cuanto este es uno de los géneros musicales más ricos en identidad y carisma. La Grecia que hoy por hoy conocemos trajo buena parte de su sentido del próspero imperio Otomano y de allí que la Turquía haya hecho bastante para su música y tradiciones. De mano de los turcos, se adoptaría una nueva fortaleza en la música, derivada de la no sofisticación en la forma de ser aceptada, la mezcla y la migración convirtieron a la música griega en algo más que folclor y no por nada, siempre el mundo de nuestro occidente la ha visto desde la postura algo kitsch del cinematógrafo.

Grecia y su música

Tal y como pudo suceder en Portugal, esta música simplificaba discursos de enraizamiento y de identidad, caso de ritmos como la música Demótika; el rembétiko (rembetis: holgazán, vago), sus variedades: zeibékiko, jasápiko (jasapis es carnicero), tsámiko, el tsifteteli dedicado a la mujer y que sostiene la cultura árabe pues su nacimiento es netamente turco. Estas letras sin embargo carecen de sentido poético en su mayoría y responden al decir popular tras el cual los griegos empezaron a apartarse de la típica cultura griega tan llamada a la subordinación y la quietud. De esta rica cosmogonía valga apuntar que el mar y la movilidad mediterránea le dieron a su sentido, un aire totalmente abierto a las costas y el agua de la antigua Constantinopla siempre habría de darle de paso parte de su candor y su algarabía.

“Turbofolk” (música moderna y rítmica, rápida pero con un sustrato étnico de la música folk griega tradicional). Natassa Theodoridou – Den Thelo Tetious Filous